domingo, 6 de febrero de 2011

Esculturas famosas (II)

Apolo venciendo a la serpiente Pitón (llamada también Jasón abatiendo al dragón).
Bronce. Italia, segundo cuarto del siglo XVI, altura 2 metros. Antiguas Colecciones RealesEsta figura de héroe joven que aplasta con su pie izquierdo al dragón que acaba de matar, ha sido identificada como un Apolo que vence a la serpiente Pitón. También se ha considerado que podría ser una representación de Jasón, el héroe que tuvo que luchar contra el dragón que custodiaba el "vellocino de oro".
Este bronce se presentó en los jardines del castillo de Meudon en el siglo XVIII y después estuvo en el parque de Saint-Cloud entre 1802 y 1872. La atribución del Apolo a Gianfrancesco Rustici (1474-1554), artista florentino que terminó su carrera en Francia, se basa en la antigüedad de su presencia en Francia y en la ambigüedad de su estilo, que une las formas plenas de Miguel Ángel y la gracia un poco misteriosa de Leonardo da Vinci. Rustici cultivó la amistad de ambos artistas, que ejercieron una gran influencia sobre él.


 Centauro abrazando a una ninfa
Johan Tobias Sergel. Estocolmo, 1740 – 1814. Terracota. Alt. 0,365 m; ancho 0,395 m. Escena mitológica con resonancias eróticas en la que se aprecia la influencia que tuvo el arte antiguo sobre este escultor. 
Sergel vivió once años en Roma (de 1767 a 1778) y durante su estancia realizó este grupo. Cuando volvía a Suecia en 1778, llamado por el rey Gustavo II, dejó esta terracota en París.






La Gran Esfinge
Encontrada en Tanis. Granito. Alto 1,83 m ; largo 4,80 m. La gran estatua tallada en un solo bloque de granito rosado representa un faraón con cuerpo de león, imagen que ha sido bautizada con el nombre de esfinge, según el célebre monstruo griego que, en la arquitectura religiosa egipcia, bordea los caminos de procesión y protege los pasos. Esta obra es admirable por sus cualidades plásticas y la fineza de la ejecución de los detalles.
Varios reyes inscribieron sucesivamente sus nombres en ella. La inscripción legible más antigua es la de Amenemhat II (1929 - 1895 antes de C.).Esta esfinge fue esculpida probablemente bajo su reinado. Sin embargo, algunos detalles (como la forma de la toca) incitan a algunos a atribuirle una fecha bastante más antigua (hacia 2620 antes de C.), a comienzos del Antiguo Imperio.


Si fuese el caso, esta esfinge monumental sería también uno de los escasos testimonios de la estatuaria real de esa época remota.


 Gato sentado
Hacia 700 - 600 antes de C. Bronce, ojos rodeados de vidrio azul. Alto 33 cm, largo 25 cm. Las estatuillas de bronce, exvotos ofrendados por los devotos en los templos, se multiplican en la Época Baja (Egipto). Entre ellas, se encuentran muchos gatos, que corresponden generalmente a representaciones de la diosa Bastet. Reflejan la popularidad de la que gozaba la diosa, no solamente en su ciudad de Bubatis, sino también en otras grandes ciudades como Menfis, Tebas, Esna. Los egipcios la representan también acompañada por cachorros, o bien como una mujer con cabeza de gato. Las más bellas estatuas de gatas estaban adornadas con un escarabajo sobre la frente, aretes de oro y el collar con el úil-oudj   

       

El David
La escultura más famosa de Miguel Ángel, llegó a convertirse en el símbolo de Florencia. Realizada entre 1501 y 1504, después de su regreso a Florencia. El héroe del Antiguo Testamento aparece representado como un joven atleta desnudo, musculoso, en tensión, con la mirada fija en la distancia, buscando a su enemigo, Goliat.



Moisés
De Miguel Ángel, es una escultura renacentista del siglo XVI, Cinquecento en Italia. Es la figura central de la tumba del Papa Julio II, en la iglesia de San Pedro in Víncoli, en Roma. Realizada en 1515. Es de mármol de Carrara realizada en bulto redondo, de cuerpo entero y sedente. 



Las Puertas del Infierno
Obra de Auguste Rodin. De 1880-1900. Museo Rodin (París). 



Manuel Chourio Sección 2 EES.

Esculturas famosas

Artemisa cazadora, llamada "Diana de Versalles". Nemi. Adaptación romana inspirada en un original creado hacia 330 antes de C., por Leochares (?).Mármol, Alto 2 metros. Ofrecida a Enrique II por el Papa Pablo IV, esta obra es una de las primeras estatuas antiguas que llegaron a Francia. Para los romanos Diana representa, acompañada por un ciervo, la Artemisa griega, hermana gemela de Apolo, virgen esquiva y cazadora incansable, cuyos gestos pueden castigar las vejaciones de los hombres. La estatua se inspira en un bronce del siglo IV, atribuido a Leochares: el movimiento y la agitación de los pliegues pertenecen a las investigaciones de ese periodo en el que las formas se humanizan.



"Venus de Milo". Milo (islas Cícladas)
Hacia 100 antes de C.  Mármol. Alto 2,02 metros. A pesar de la ausencia de atributos, el tamaño y la actitud de esta estatua autorizan su identificación como una diosa. Afrodita, con frecuencia representada semidesnuda, o Amfitrite, diosa del mar, venerada en la isla de Milo.
El estilo es característico del final de la época helenística, que retoma el interés por los temas clásicos al tiempo que los renueva. Así, la forma como el drapeado se desliza sobre las caderas, ciñéndose a las piernas introduce la figura en un instante. Esconde la unión de los dos bloques de mármol esculpidos aparte, como fue el caso para los brazos y el pie izquierdo, según una técnica muy novedosa.



Retrato de Homero (Roma, copia romana según un original griego creado hacia 150 antes de C.) 
Mármol pentélico. Alto 55 cm. Del mayor poeta griego, Homero, cuya obra se remonta al siglo VIII y vive en el corazón de la cultura, los artistas han propuesto varios retratos imaginarios. Este, que lo presenta como un anciano ciego con la cabeza envuelta en una banda, debió ser creado en bronce en el siglo II antes de C., dentro del movimiento del estilo que florecía en Pérgamo.
Las numerosas reproducciones romanas no dicen nada de la estatua completa que debía representarlo sentado. La decadencia física del poeta acentúa su inspirada nobleza y su profundidad visionaria.



Discóbolo (Arte Griego).
Muestra esta escultura a un jugador olímpico en el violento esfuerzo de lanzar el disco. Fue una célebre obra del gran escultor Miron de Eleuteres, fechable hacia el año 450 a. C., ya desaparecida. Ésta que vemos aquí es una copia de época romana, en mármol, del original de bronce perdido, perteneciente a la colección Townley que se guarda en el Museo Británico.


La Pietá (1498-1500), hecha para San Pedro del Vaticano, magnífica obra en mármol que aún se conserva en su emplazamiento original. La Pietá, una de las obras de arte más conocidas, Miguel Ángel la terminó casi con toda seguridad antes de cumplir los 25 años de edad, es además la única obra en la que aparece su firma. Sentada majestuosamente, la juvenil Virgen María sostiene en su regazo a Cristo, descendido muerto de la cruz. El rostro disimulado por su manto-velo, y las manos juntas, reflejan el refrenado dolor de su oración. María se contiene, con una expresión en el rostro de total resignación.

El cuerpo de Cristo está como si se ofreciese para la veneración. Esta estatua evoca, en la factura y en el tratamiento de la cabeza, a las obras borbonesas. Se pueden ver rastros de doraduras sobre la cabellera y la barba, y de pintura roja sobre las heridas. Con esta obra Miguel Ángel resume las innovaciones escultóricas de sus predecesores en el siglo XV, como Donatello, a la vez que introduce un nuevo criterio de monumentalidad característico del estilo alto renacentista del siglo.

El tratamiento de las telas, que son a la vez densas y flexibles, y la musculatura, que se ha realizado con sobriedad y precisión, confirman una datación en torno a 1500, la época de los últimos "imagineros" góticos. La Virgen con las manos juntas y la posición del cuerpo de Cristo permiten situar el origen de este grupo en el centro de Francia.


Apolo de Belvedere. Arte Griego.
El original en mármol de Paros se descubrió en 1495, cerca de Grottaferrata, propiedad del Papa Julio II y pasó a las colecciones vaticanas. La estatua muestra al dios Apolo en toda su belleza, semicubierto tan solo por una corta clámide y portando en bandolera el carcaj para las flechas. Es copia romana de un original griego del siglo IV a. C., atribuido al escultor Leocares. Las manos y un antebrazo son restauraciones del escultor renacentista Agnolo de Montesori, discípulo de Miguel Ángel.


Virgen con el Niño. Atribuido a Jacopo Della Quercia. Bolonia (?) hacia 1430-1435 (?)
Estatua, madera policromada. Altura 1,78 metro. El sienés Jacopo Della Quercia con su inspiración aportó a la escultura una forma de expresividad grandiosa. Maestro del relieve en la Fuente Gaja de Siena y en el pórtico de San Petronio de Bolonia, suele buscar la amplitud más que la individualidad. Queda fuera de los conflictos entre el gótico y el Renacimiento que nace, y persigue una búsqueda formal que se aleja de todo sentimentalismo y de toda decoración inútil. La Virgen del Louvre, similar a la del tímpano de San Petronio, tiene una densidad plástica y un equilibrio compacto, animado con draperías ondulantes, que armonizan con su expresión melancólica.

Manuel Chourio Sección 2 EES.

Escultura incaica (Continuación)

Clasificación de la escultura inca

En general, los trabajos escultóricos de los incas se pueden clasificar en dos grandes grupos:
- Escultura mueble o exenta, o estatuas propiamente dichas, que abarcan desde estatuas de personas o animales de tamaño natural, hasta pequeñas esculturas o estatuillas (como los ulltis o representaciones de auquénidos, y los illas o representaciones simbólicas, todas ellas de carácter ritual).
- Escultura inmueble, tallada en la roca y asociada a los grandes complejos arquitectónicos. Unas trabajadas en la roca madre, como en Machu  Picchu (por ejemplo, la Escala de la "Gruta sagrada" y el Intihuatana), Sacsayhuamán ("El trono del Inca") y Kenko; y otras realizadas sobre grandes piedrones, como la piedra de Saywite.
Estatuas y estatuillas

Mencionaremos algunos ejemplos de este tipo de escultura:

- Estatuas de dioses.- La representación más famosa era la del dios Sol que se conservaba en el interior del Coricancha, conocida con el nombre de Punchau. Tenía apariencia humana y estaba totalmente hecha de oro. En una cavidad situada en la parte del vientre se conservaban los corazones de los reyes incas, reducidos a polvo. No se le debe confundir con el disco de oro que representaba también al sol y que se hallaba en el frontispicio del templo. Cuando los conquistadores españoles ingresaron en el Cuzco (1534), esta escultura o Punchau fue escondida por los indios. Tiempo después, los españoles la encontraron en el reducto de Vilcabamba, cuando el último de los incas rebeldes, Túpac Amaru I, fue tomado prisionero (1572). No tenemos más noticias de ella. No obstante se conservan algunos raros ejemplares mutilados de estatuas de dioses, como la llamada "cabeza de Viracocha", que actualmente conserva el Museo de las Américas de Madrid. Se caracteriza por presentar una talla perfecta en su parte posterior y un trabajo más tosco en las facciones. En realidad esta cabeza formaba parte de una escultura de cuerpo entero; la parte restante se encuentra en el local de la Municipalidad del Cuzco. Fue hallada durante las excavaciones en la zona que ocupaba el antiguo templo de Viracocha de Cacha, en Rapchi, cerca del Cuzco. Las crónicas cuentan que fue erigida por orden del Viracocha Inca para rememorar la visión que tuvo del dios Viracocha1 Durante la colonia los indígenas continuaban venerándola, aduciendo que se trataba de la estatua de San Bartolomé, pero los clérigos españoles debieron seccionarla y sepultarla al relacionarla con la idolatría.

- Estatuas de los reyes incas.- La mayor parte de los cronistas menciona la existencia de este tipo de estatuas, aunque ninguno presenta una descripción detallada de ellas. Señalan que se trata de representaciones de tamaño natural, llamadas huauques (hermanos) por representar el otro yo del inca. Tendrían también un fin práctico: preservar la imagen del inca en caso de que algo pudiera sucederle a su momia.
- La representación de un puma que se conserva en el Museo Garcilaso de la Vega (Cuzco).


- Los ulltis o estatuillas de auquénidos.- Pequeñas esculturas de entre 0.10 y 0.30 cm. Eran representaciones para uso ritual, elaboradas con la finalidad de servir como ofrendas para los antepasados y las divinidades. Algunas representan a alpacas lanudas con un receptáculo u hoyo en el lomo donde colocar sebo o chicha. Los ulltis eran colocados en la tierra, en calidad de ofrendas o "pagos". Estas pequeñas tallas también eran confeccionadas en una variedad del alabastro, la berenguela y en piedras claras o jaspeadas escogidas por su rareza.


- Las conopas o illas.- Objetos tallados de preferencia en berenguela y cubiertos de diseños mágicos y/o figuras representando heredades, ganado y sementeras. Recibían el mismo tratamiento de culto que los ulltis. Hasta ahora muchos pobladores andinos las siguen usando como ídolos o amuletos para atraer la suerte y la prosperidad.



- Tableros o maquetas.- Piezas escultóricas que representan espacios rectangulares o cuadrados tallados en niveles diversos, cuya utilidad aún no ha sido determinada: se ha sugerido la posibilidad de que se traten de tableros para hacer cálculos, o bien para juegos (como los actuales juegos de mesa), o tal vez maquetas de fortalezas.

Escultura inmueble tallada en la roca

Las esculturas trabajadas en la roca madre se destacan por sus trazos geométricos y cortes con pulido y pulimento perfectos. En no pocos casos, parecen imitar la forma escalonada de los andenes y podrían ser formas emblemáticas de la diosa Tierra o Pachamama; otras veces representan a felinos que reposan sobre cerros, posible simbolismo de la fertilización del suelo (según opinión de Federico Kauffmann Doig).



Ejemplos de esculturas realizadas en la roca madre:

- La Escala esculpida en la llamada "Gruta sagrada" de Machu Picchu (al pie del torreón).
- El Intihuatana, que se halla en la sección del mismo nombre de Machu Picchu. Es una escultura alargada, tallada y pulida con extrema pulcritud. Existen otros intihuatanas en los diversos núcleos arquitectónicos incas.
- El Trono del Inca en Sacsayhuamán
- La gran roca de Kenko (unos 3 km al noroeste de Cuzco), labrada en un sector con diversas figuras: pasajes, escalinatas, canales y construcciones diversas. Las figuras talladas se acomodan a la configuración natural de la roca.
Mención aparte merece la piedra de Saywite, cerca del pueblo de Curahuasi (región Apurímac), una roca volcánica de 4 metros de diámetro por 2,5 metros de alto y de 11 metros de circunferencia. En ella se hallan talladas más de 200 figuras fitomorfas y zoomorfas (pumas yacentes), compartimentos, escalinatas y canales que derivan en receptáculos, que recuerdan a la gran roca tallada de Kenko. Posiblemente este relacionada al culto al agua.

Características generales

- Si bien fueron herederos de las antiguas tradiciones escultóricas andinas, sin embargo los incas supieron imprimir un carácter propio en su arte escultórico.
- No practicaron la escultura y el grabado en piedra del tipo monumental, similar a la de las culturas Chavín y Tiahuanaco, salvo alguna excepción (podría ser la mole de Kenko, que al parecer representa a un puma gigante).
- Tuvo mayormente una finalidad religiosa, al estar asociados a las ceremonias y rituales.
- Se caracteriza también por la sobriedad y la simplificación de las formas por medio de volúmenes geométricos sencillos, tendiendo más a lo práctico y funcional que a lo formal.
- En sus motivos decorativos se nota una esquematización muy próxima a una concepción estética geometrizante y cubista.

Manuel Chourio Sección 2 EES.

Escultura incaica

En escultura, los incas hicieron muchos trabajos bien elaborados. En su mayoría fueron hechos en piedra, pero también lo hicieron en metales como el oro y plata, así como en madera.


Materiales usados



Al igual que en la arquitectura monumental, la piedra fue el material primordial de la escultura inca, arte en el cual los incas demostraron gran destreza, tanto en las tallas escultóricas asociadas a las construcciones arquitectónicas, como en las grandes y pequeñas esculturas elaboradas como objetos rituales y de sentido ceremonial.
Hicieron igualmente estatuas y esculturas de oro y plata, de diversos tamaños. Losconquistadores españoles fundieron la mayor parte de estas estatuas, y por ello quedan actualmente poquísimas muestras, exceptuando las enterradas junto con los muertos como ofrendas. Estas figuras de plata y oro suelen estar vestidas completamente, tapando el metal.
Hicieron también esculturas y tallas en madera, pero estas no fueron muy corrientes.

Representaciones

Representaron figuras antropomorfas (humanas), zoomorfas (animales) y fitomorfas (vegetales). En algunos casos se ven también representaciones de cerros y escalas, de posible simbolismo ritual. Otras piezas escultóricas simulan formas de tableros o maquetas, cuyo uso no ha sido precisado aún.

Antropomorfas

Las crónicas de la conquista mencionan la existencia de estatuas con forma humana, que representaban tanto a los reyes incas como a divinidades, de tamaño natural, o bien algo mayores o menores. Unas estaban hechas de oro, y otras esculpidas en piedra; solían tener en los ojos incrustaciones de turquesas y esmeraldas. Desgraciadamente, no quedan ejemplares de estas esculturas, pues las de metal precioso fueron fundidas por los conquistadores españoles, y las de piedras  destruidas al ser relacionadas con la idolatría, o por simple vandalismo.
Otras piezas talladas en forma humana o humanoide son de tamaño pequeño, de pocos centímetros de altura, hechas de oro, plata y piedra, halladas frecuentemente en las tumbas.


Zoomorfas

Representaron animales como el puma y tallaron fuentes ceremoniales con serpientes en relieve y en forma de aves como el cóndor. También suelen hallarse representaciones de auquénidos, llamas, vicuñas y alpacas, en tamaño pequeño (ulltis).
ma humana, que representaban tanto a los reyes incas como a divinidades, de tamaño natural, o bien algo mayores o menores. Unas estaban hechas de oro, y otras esculpidas en piedra; solían tener en los ojos incrustaciones de turquesas y esmeraldas. Desgraciadamente, no quedan ejemplares de estas esculturas, pues las de metal precioso fueron fundidas por los conquistadores españoles, y las de piedras  destruidas al ser relacionadas con la idolatría, o por simple vandalismo.


Fitomorfas

En el caso de representaciones fitomorfas se pueden mencionar las figuras de mazorcas de maíz y de frutos, conocidas como illas oconopas, y numerosos cuencos y recipientes llamados popularmente morteros.



Manuel Chourio Sección 2 EES.

Los Mayas y Sus Esculturas

Los Antiguos Mayas fueron una de las culturas mesoamericanas precolombinas más importantes y su legado científico y artístico es uno de los más ricos a nivel mundial. 

La civilización maya floreció durante aproximadamente 3,000 años y habitó una vasta región en el sur y sureste de México, en el territorio de los actuales estados de Campeche, Chiapas, Quintana Roo, Tabasco y Yucatán; así como en los actuales países de Belice, Guatemala, Honduras y El Salvador. Aunque la cultura maya no ha desaparecido por completo, el fin de su esplendor fue causado por la Conquista Española, consumada en 1697.



El esplendor maya aún se aprecia en las impresionantes estructuras que crearon, decoradas con pinturas murales, adornos de estuco y losas de piedra tallada (estelas) que describen la vida de los gobernantes, genealogías, victorias militares y logros. La nobleza utilizaba collares, pectorales y cinturones con incrustaciones de nácar y piedras grabadas. También adornos de conchas, caracoles, orejeras, brazaletes y anillos de jade, cuarzo y oro.

En cuanto a escultura, eran expertos en tallar bajorrelieves, alto relieves y estelas, utilizando madera y estuco pintados en brillantes colores.

La simbología utilizada en su escultura era muy compleja, cada símbolo representaba parte de una gran narración. La forma más reconocida actualmente como perteneciente a la era maya es el Chac Mool, es un hombre acostado, mirando de lado y con las piernas plegadas; sobre su abdomen sostiene un plato, probablemente era un espacio para colocar ofrendas. El águila, animal sagrado, frecuentemente se representaba con un corazón entre las garras, en alusión al sacrificio humano. Chaac, el dios de la lluvia, era representado con la boca abierta, mostrando dientes afilados. En sus símbolos, las flores representan la fertilidad y sexualidad. Las serpientes de cascabel simbolizan la sangre el agua. 
Chac Mool.

La forma más reconocida de escultura maya son las estelas, monolitos de piedra con textos grabados que se han utilizado actualmente para comprender esta majestuosa cultura. La estela más grande jamás encontrada es la Estela E de Quiriguá, pesa 65 toneladas y mide 10.5 metros de altura. 
Estela E.


El finísimo detalle en sus múltiples esculturas de jade es impresionante. En estas obras de arte se pueden identificar estilos distintivos de cada región, variando en perspectiva, gesto y profundidad de los grabados. 

Los Maya crearon un gran número de esculturas en distintos materiales, especialmente en piedra, madera, estuco y jade. Las estelas eran grandes losas de piedra cubiertas de grabados. La mayoría representa a los gobernantes y contenían textos en jeroglíficos. Otro gran grupo de grabados en piedra cubrían las puertas y paredes de los edificios. Probablemente fueron muy prolíficos en crear esculturas en madera, pero muy pocas sobrevivieron hasta nuestros días, los ejemplos que aún existen cubrían los principales templos. Esculturas en estuco adornaban las fachadas de muchos edificios, únicas en Mesoamérica, incluyen retratos realistas de los gobernantes y la nobleza. 

Los Maya eran aficionados al jade, una habilidad sorprendente si consideramos que no utilizaban herramientas de metal; es impresionante el fino detalle que lograron esculpir en un material tan denso. Una de las esculturas más sobresalientes es la máscara mortuoria del gobernante de Palenque, una máscara de tamaño real creada para colocar sobre su cadáver, tenía "piel" hecha de jade y "ojos" hechos de madre perla y obsidiana.

El arte maya es un reflejo de su estilo de vida y cultura, compuesta por pintura, grabados sobre madera y piedra, modelos de barro y figuras de terracota. La mayor parte del arte era hecha por encargo de los reyes para inmortalizarse y garantizar su lugar en la historia. 

Escultura Kan Balam. Mayas Azules

Manuel Chourio Sección 2 EES.

Escultura Griega (ContinuaciónIV)

Escultura helenística (desde el siglo III A.C..)

- El Helenismo es la etapa de la crisis de la polis, al englobarse la constelación de ciudades-estado en una unidad política bajo el dominio macedónico.

- En este nuevo mundo político, organizado por el genio de estadista de Alejandro Magno, no tienen sitio los ideales de armonía y medida de la Grecia clásica y son sustituidos por nuevos valores, la cultura griega se universaliza, admitiendo las aportaciones de los pueblos orientales con los que funde, surgiendo así una cultura mixta, en la que se mezclan la tradición clásica, el orientalismo (colosalismo y decorativismo) y una nueva concepción de la vida, no basada ya en elevados ideales sino en la búsqueda del goce de la misma.

- Artísticamente partirá de las conquistas del siglo IV a.C., pero la escultura es más naturalista, incluso llegando al realismo más crudo en ocasiones, se acentúan la expresividad de los rostros y las actitudes, se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas fidíacas, el dramatismo de las expresiones a los rostros tranquilos, la fealdad de monstruos o seres amenazadores a la belleza clásica, así mismo se enriquecen los puntos de vista, aumenta la monumentalidad y la variedad temática, en definitiva, se tiende a la barroquización de la escultura.

- Ahora los escultores quedan más en el anonimato, ya que se trabaja por escuelas. Veamos algunos de los principales temas y las escuelas más destacadas:

- Triunfo del realismo, el retrato: Se van a reproducir los rasgos individuales, el realismo avanza en los retratos, descarnados, sinceros y de gran penetración psicológica.



- El desnudo femenino: Ahora momento de esplendor del tema. Destacan la Afrodita de Milo (mutilada, lo que ha hecho de ella una de las más bellas y famosas) y la Afrodita agachada (tema de éxito en el helenismo).

- Los temas de género: Se van a desarrollar mucho durante el helenismo. Como ejemplos El niño de la oca, losLuchadores (escena de gimnasio que capta el momento de tensión máxima), la Vieja ebria (en la que no encontramos ya ni rastro de la belleza ideal), el Espinario (niño quitándose una espina después de una prueba deportiva, el tema de los niños tuvo mucho éxito en este período) o el Hermafrodita tumbado.



- La Escuela de Alejandría, las alegorías: Gusto por las alegorías, como la de El Nilo (se representa al río como figura humana, rodeado de otros elementos que lo identifican).


- La Escuela de Pérgamo, las grandes composiciones: Son famosas sus grandes composiciones, heroicas, de fuerza patética y gran intensidad emotiva, como el Monumento de Atalo I (para conmemorar la victoria frente a los galos, del que se conservan algunas figuras exentas de gran realismo, hasta el extremo de identificarse claramente sus rasgos raciales) o los Relieves del Altar de Zeus en Pérgamo (la obra cumbre de este tipo por los efectos de dolor y esfuerzo, perfectamente logrados al tallar la anatomía, el tema es La Gigantomaquia o lucha entre los dioses y los gigantes).


- La Escuela de Rodas, colosalismo y movimiento: Gusto por lo colosal y gigantesco, por el movimiento contorsionado y por la expresividad, sobre todo los gestos de dolor de los rostros. Ejemplos el Coloso de Rodas(gigantesca escultura a la entrada del puerto de Rodas, bajo la cual pasaban los barcos, una de las Siete Maravillas del mundo antiguo), el Fauno Barberini (de un realismo extremo) la Victoria de Samotracia (con las alas desplegadas y el cuerpo hacia adelante, desafiando al viento, mostrando una gran maestría en el estudio de los ropajes, que se hacen transparentes al pegarse al cuerpo por efecto del viento), el Conjunto de Laoconte (de Agesandros, Polidoros yAtenodoros, famoso por su expresividad y la representación del dolor mediante la anatomía en tensión por el esfuerzo físico, resumen del barroquismo helenístico, representa el castigo que se le dio a este sacerdote troyano por dudar del caballo de Troya, matando tanto a él como a sus hijos con serpientes marinas) o el conjunto escultórico del ToroFarnesio (realizado por Apolonios y Tauriscos, representa el momento en el que los hijos de Antíope deciden castigar aDirce, que había tratado cruelmente a su madre, arrastrándola con un toro hasta morir).

- Atenas: Destaca el escultor Apolonio, con obras como el Torso Belvedere y el Pugilista, de extremo realismo, mostrando el alejamiento helenístico de los ideales clásicos de los siglos V y IV a.C.


Manuel Chourio Sección 2 EES.

Escultura Griega (ContinuaciónIII)

+ Krésilas destaca entre los escultores adscritos a este periodo: Realizó un Busto de Pericles, situado en elAcrópolis de Atenas, con casco corintio y muy idealizado. También conservamos su Amazona Herida del concurso de Éfeso.



+ Kallimachos: Sus obras continúan en la línea de la técnica de los paños mojados inaugurada por Fidias en el Partenón, la Afrodita de Frejus y el relieve de la Victoria atándose la sandalia del Templo de Atenea Nike.


+ Otros ejemplos de la escultura de esta etapa: La Victoria de Paionios, que conmemoraba una victoria frente a los espartanos y recoge el momento en que la victoria se posa en el suelo, la túnica se ajusta totalmente cuerpo y se arremolina en la parte de atrás, siendo el antecedente de la victoria de Samotracia. También destacan, de autores anónimos pero en la misma línea de las anteriores: la Nióbide herida, escultura femenina prácticamente desnuda que representa el momento en el que ha recibido una flecha en la espalda y está luchando por quitársela, destaca por el rostro, que ya refleja el sufrimiento; y la Hera Barberini.



El siglo IV a.C.

- Época de crisis de las ciudades estado y de disgregación y transformación en lo social tras la Guerra del Peloponesoentre Esparta y Atenas y sus respectivos aliados. Atenas, a pesar de la crisis política, siguió manteniendo la supremacía artística en Grecia, gracias a una sociedad elegante y refinada, aunque en este contexto el artista trabaja no para el estado sino para particulares, pues la guerra ha dejado sin recursos las arcas del Estado.
- Se producen cambios respecto al siglo anterior: Dioses y atletas siguen siendo los protagonistas, pero ahora se representan los dioses más próximos al hombre y no los grandes del Olimpo y los atletas en actitudes menos heroicas, más cotidianas; las figuras se hacen más libres, menos majestuosas; el canon estético se estiliza; se acentúa el naturalismo en gestos y actitudes, los rostros comienzan a reflejar el "pathos" (su expresión emocional y estado anímico); inicia su aparición el desnudo femenino.

- Praxiteles: Es el escultor de la delicadeza, la elegancia y la belleza, de las superficies suaves. Acentúa la tradicional postura clásica inclinando aún más la cadera, "curva praxiteliana", aunque continúa el quietismo de la composición. Obras suyas son el Hermes de Olimpia (uno de los pocos casos en que conservamos el original, representa a Hermes, el mensajero de los dioses, llevando a Dionisos niño durante un descanso en el camino), el Apolo Sauróctono (marca aún más la curva praxiteliana y el cuerpo es más joven), la Afrodita de Cnido (con la que se inicia el desnudo femenino, todavía "timidez", siente pudor y se cubre con las manos, será muy copiada, canon de belleza femenina); la Afrodita deArlés (desnuda pero con las piernas cubiertas por un manto, el desnudo integral no es aceptado inmediatamente).




- Scopas: Escultor del "pathos", de la pasión, reflejándose en las figuras el estado del alma (angustia agitada). Atraído por temas trágicos o patéticos, lo que se aprecia en obras como su Bacante o Ménade Herida (con el cuerpo agitado por movimientos convulsivos, con el torso retorcido, girando el cuello hacia atrás, la cabellera desordenada y revuelta). También realizó los relieves orientales del Mausoleo de Halicarnaso y la estatua de Mausolo.


- Lisipo: Escultor arcaizante, admirador de Policleto, pero en él el naturalismo está más acentuado. Nuevo canon de belleza, más esbelto, ahora el cuerpo como ocho cabezas, disminuyendo el tamaño de ésta, por lo que el cuerpo resulta más alto en proporción a la anchura. Cultivará el retrato, fue el escultor preferido por Alejandro Magno. Sus principales obras son el Apoxiomeno (atleta limpiándose con el "strigilo", ejemplo del nuevo "kanon" y del dominio definitivo de la tercera dimensión y de la escultura abierta gracias a que rompe el espacio mediante el gran escorzo de su brazo derecho), el Ares Ludovisi (dios de la guerra sedente) y el Hércules Farnesio (extraordinario estudio anatómico y de la fortaleza física).


- Entre las obras de otros escultores destacados de este siglo podemos citar las siguientes: Leda y el cisne de Timoteo, laArtemisa de Versalles y el Apolo de Belvedere de Leócares y el Orante de Bedas.


Manuel Chourio Sección 2 EES.